Изобразительное искусство

Как и в любой науке, в методике преподавания изобразительного искусства ее основные понятия формируются с опорой и в непосредственной связи с фундаментальными знаниями различных отраслей науки. В содействии с другими науками МПИИ развивает и совершенствует свои собственные принципы действия.

МПИИ связана с науками:

- искусствоведением- в определении содержания предмета, в учете закономерностей функционирования искусства;

- педагогикой — в разработке основных воспитательно-образовательных задач, в опоре на принципы и закономерности обучения, дидактикой;

- психологией - в опоре на закономерности мышления и речи, а также усвоения знаний, умений и навыков, на закономерности умственного развития детей, развития способностей, восприятия, памяти и других психических процессов.

Обучение рисованию в Древнем Египте строилось не на основе познания окружающего мира, а на заучивании схем и канонов (рис. 7—9), на копировании образцов. Обучая рисованию, художник-педагог не заставлял ученика наблюдать и изучать природу (натуры как объекта изучения не существовало), а заставлял заучивать правила изображения форм предметов по установленным канонам. В этом и заключается определенная историческая ограниченность древнеегипетской методики обучения рисованию.

Положено начало теоретическому обоснованию практики рисования, впервые стали устанавливаться законы изображения. Складывается художественная школа с системой занятий и дидактическим фондом.

Ведущими методами обучения было копирование и механическое заучивание догм, канонов рисования, что не позволяло выразить собственный взгляд художника на мир в этом заключается историческая ограниченность древнеегипетской методики обучения изобразительному искусству.

Рисование тесно связано с обучением письму, поэтому имело большое общеобразовательное значение.

Не смотря на преемственность культур Рима и Греции и благоприятные общественные условия, система художественного образования в Древнем Риме, не получила должного развития.

В обучении рисованию преобладал метод копирования и механического освоения технологических приемов работы различными материалами.

В эпоху Возрождения сложился новый тип художественного учебного заведения - академия. Первые итальянские академии рисунка были открыты во Флоренции в 1563 г., в Риме в 1577г., в Болоньи в 1585-88гг. В отличие от частных мастерских художников академические школы финансировались общинами или правительством.

Наиболее прославленной из академий 16 века была Болонская академия художеств, основанная братьями Карраччи, «Академия, вступившая на верный путь». Обобщив опыт работы художественных школ и мастерских, братья Карраччи поставили цель – слить в единое целое все то лучшее, что было создано в их время.

Карраччи детально проработали методику преподавания изоискусства, считая рисунок его основой изобразительного искусства. В своих методических разработках они указывали, что художник должен опираться на данные науки, на разум, ибо «ум обогащает чувства». Рисунок рассматривали как самостоятельный учебный предмет.

Карраччи снабдили Академию необходимыми методическими пособиями. До нашего времени дошло одно из пособий, разработанное Карраччи «Scvola Perfettа», в котором многие из образцов были выполнены мастерами специально для обучения методом копирования, исследование которого показывает, что художниками-педагогами была тщательно продумана последовательность рисования по образцам и с гипсов, в основе которой положены принципы:

• от простого к сложному;

• от деталей к целому, т.е. от деталей головы к рисованию черепа и головы, от деталей фигуры к целой обнаженной и одетой фигуры;

• от контурного рисования к последующей тушевке.

Выделяют следующие типы композиций:

разделение на слои – тип, применяющийся для икон, когда фигуры размещаются ниже или выше и частично скрывают друг друга;

деление на планы – на картине предусмотрено два плана (действие и пейзаж), реже три или четыре плана;

построение цветом;

пластическое построение;

изображение пространства фигурами (надвигающимися или удаляющимися от зрителя).

Формы организации учебно-познавательной деятельности:

· Фронтальная форма, по характеру совместно-индивидуальная (предполагает, что все ученики работают в одном темпе по одинаковым заданиям);

· Парная(организация учебно-познавательной деятельности по парам, которые имеют определенную основу, учебные, индивидуальные возможности учеников);

· Групповая (состав учеников делится на группы, бригады, звенья; каждая группа имеет свое задание, задания равноценные по содержанию и сложности);

· Кооперативно-групповая, коллективная (класс делится на группы для выполнения каждой из них части общего задания);

· Дифференцированно-групповая (предусматривает организацию работы групп учеников с разными возможностями, по разным заданиям, которые соответствуют определенным возможностям);

· Звеньевая (предусматривает организацию учебной деятельности постоянных групп учеников, по характеру – последовательно-взаимодействующая).

Изобразительное искусство особая форма познания мира человеком, которое осуществляется через чувственное, конкретно - образное восприятие действительности и последующее изображение. Изобразительное искусство развивает эмоциональность, богатство и тонкость образного мышления и зрительного восприятия.

Успех занятий изобразительным искусством во многом зависит от условий выполнения работы: оборудование рабочего места учащегося, организация натуры, наличия наглядных пособий. В начальной школе большая часть заданий выполняется в цвете. У всех учащихся должны быть акварельные краски хорошего качества, мягкие кисти, мягкий карандаш, прочные цветные карандаши, черная и цветная тушь.

Главная задача учителя изобразительного искусства – развить художественно-творческие способности школьников, развить воображение, фантазию. Важно, чтобы ребенок был раскован, для творческой работы. Интерес учащихся к изобразительному, декоративно-прикладному и народному искусству происходит в определенной последовательности. На каждом уроке дать им пофантазировать, поиграть, привнести в работу собственные образы и идеи. Высокое качество и прочность знаний, умений и навыков, полученных на уроках изобразительного искусства, развивают, у них художественные способности во многом зависит от того, как учитель организует и проведет урок.

Уроки по изобразительному искусству способствуют расширению кругозора школьника, его интересов, развитию их мышления, творческого воображения, развивают зрительную память, формируется целенаправленность, аккуратность, трудолюбие. Ребята усваивают целый ряд графических и живописных умений и навыков, учатся анализировать предметы и окружающий их мир.

Таким образом, декоративно-прикладное искусство как базис, основа художественной и этнохудожественной культуры и творчества благотворно влияет на формирование знаний, умений и навыков при их изучении. Служит важнейшим средством эстетического и художественного образования подрастающих поколений. Особенно актуально это стало сейчас, когда бурное возрождение национальных культурных традиций.

Под наглядностью понимают средство, принцип и метод обучения. В случае метода обучения наглядность сливается с наблюдением, и выступает как метод познания. 

Чаще всего под наглядными методами, понимаются такие методы обучения, при которых усвоение учебного материла, происходит с использованием различных пособий и технических средств. В качестве пособий выступают – плакаты, схемы, репродукции и т.д. Технические средства, используемые для наглядности, – это средства мультимедиа (презентации, слайд-лекции и т.п.). Для эффективности наглядные методы необходимо применять совместно со словесным сопровождением. 

Принцип наглядности в обучении способствует тому, что ребенок имеет возможность увидеть предмет или действие в его реальном, действительном виде, в связи с чем, у ребенка формируется правильное представление о нем. Наглядность, способствует усвоению, обобщению и анализу воспринимаемого предмета или действия.

Применение наглядности необходимо не только для создания у ребенка правильных образных представлений, но и для формирования понятия об изучаемом предмете, а также, для понимания связей и зависимостей.

Помимо положительного влияния на процесс обучения детей, принцип наглядности может нести и отрицательное воздействие. Это происходит в том случае, когда педагог использует чрезмерное количество наглядных средств, в связи с чем, у ребенка возникает затруднение формирования понятий, так как его внимание отвлечено на наглядные средства. То есть ребенку сложно сосредоточиться на усвоении нового учебного материала, он отвлекается на наглядности. 

Педагогический рисунок– одно из важнейших средств наглядности. Время его выполнения 2- 5 минут. Педагогический рисунок является графическим пояснением учебного материала. Сам по себе рисунок не имеет художественного значения, но он становится убедительным в контексте разбираемой работы. Задача педагога –подготовить учащихся к решению учебных задач. Педагогический рисунок необходим ради наглядности, упростить, схематизировать, чтобы ученик правильно понял структуру, конструкцию, пластические особенности.

Наилучшим средством наглядного обучения является рисунок самого педагога на классной доске, на листе бумаги и на полях альбома самого ученика.

Первый вид - рисунок на классной доске - является прекрасным методом наглядного обучения. Он помогает понять увиденное, влияет на умственное развитие ребёнка, на правильность его суждений. Главное качество педагогического рисунка - это лаконичность изображения, простота и ясность его. Учитель дает возможность детям ясно понять и представить сказанное.

Второй вид - это зарисовка учителя на полях рисунка школьника. Такие зарисовки необходимы в том случае, когда ошибка в рисунке замечена у одного, двух учеников и нет смысла отвлекать внимание всего класса.

Урок в среднем профессиональном образовательном учреждении – основная форма деятельности студентов. Как правило, проводятся уроки комбинированного типа, на которых решается несколько дидактических задач (повторение пройденного, объяснение нового материала, закрепление полученных знаний и умений).

Общая структура урока изобразительного искусства:

1. Подготовительная часть:

- Организационный этап (организация студентов, подготовка необходимых учебных принадлежностей)

- Вводная беседа (мобилизация внимания, создание эмоциональной заинтересованности, повышение мотивации к изобразительной деятельности студентов)

2. Основная часть:

- Анализ объекта исследования ( натура, тема; анализ объекта по форме, величине, цвету, строению, положению в пространстве; выявление сюжета рисунка)

- Определение последовательности выполнения рисунка ( планирование деятельности)

- Указания к началу работы (рекомендации по композиции рисунка и техники его исполнения, предупреждение возможных ошибок).

Основополагающей формой деятельности учащихся в процессе обучения изобразительному искусству является творческая деятельность, на основе которой происходит процесс формирования креативных качеств личности, так как именно эта сфера наиболее активно выявляет ее эмоционально-ценностные координаты, творческие потенции, специфические связи и отношения с миром.

Творческая деятельность, является одним из самых существенных факторов, активно формирующих личность учащегося, выявляющих и утверждающих индивидуальность ребенка;

– культурологический подход: культурология является наукой о человеческой культуре как целостном феномене, синтетической областью знания. В контексте данного определения культурологический подход к изучению предмета «Изобразительное искусство» означает, что в основе ее содержания находится прежде всего целостность культурного опыта человечества: художественного, эстетического, нравственного и др. Изучение учебного предмета в рамках данного подхода ведет, в свою очередь, к формированию целостной личности учащегося.

Планируемые результаты обучения в предметно-деятельностной форме определены учебными программами в соответствии с требованиями образовательного стандарта по учебному предмету «Изобразительное искусство» к уровню подготовки учащихся.

Поурочный контроль результатов учебной деятельности учащихся осуществляется в устной, письменной и практической формах или в их сочетании посредством проведения индивидуального, группового и фронтального опроса с использованием контрольных вопросов и заданий, содержащихся в учебниках, учебных, учебно-методических пособиях и дидактических материалах.

Поурочный контроль по изобразительному искусству предполагает проверку знаний учащихся по разделу программы «Восприятие действительности и искусства», а также оценивание практической работы на определённом этапе её реализации (выполнение линейно-конструктивного рисунка натюрморта, эскиза росписи объекта и т. д.).

Тематический контроль предполагает осуществление комплексной проверки знаний, умений и навыков учащихся по отдельным видам художественной деятельности, оценку практической (творческой) работы по заданной теме (многоплановые сюжетные композиции), выполнение рисунка натюрморта с натуры, по памяти, по воображению, создание композиций декоративно-прикладного характера.

Внеклассная и внешкольная работа преследует в основном те же задачи и цели, что и учебные занятия, но она помогает решать эти задачи шире и глубже, с привлечением нового материала, в более серьезной форме, с опорой на активный интерес учащихся, на их творческую инициативу.

Внеклассную работу надо строить таким образом, чтобы дети продолжали развиваться, совершенствовали свое мастерство, чтобы изображения в детских рисунках были грамотные, реалистические.

Композиционное построение формы предполагает наличие замысла, (цели, идеи).

Характерным признаком композиционного построения является то, что оно всегда развивается в определенных границах. Эти границы определяются не только пространственными ограничениями (формой, размером и форматом листа, пространства стены или ограничением во времени в танце и музыке). Смысл границ, рамок в том, чтобы отделить мир реальный от мира изображаемого. Благодаря наличию границ, рамок «перед нами встает некий особый мир со своим пространством, временем, системой ценностей... Рамки обозначают рубеж между внутренним миром картины и внешним миром» — писал Б. Успенский. Внешние границы, с одной стороны, связаны с окружающим пространством, с другой, с внутренней структурой произведения, с организацией элементов внутри композиции, которая определяет тип композиции (замкнутая, открытая).

По типу организации композиция может быть замкнутой, вписывающейся в определенную форму, (формат) и подчиненной ей, может быть открытой, предполагая мысленное продолжение в пространстве. В любом случае внешние границы и тип композиции определяются внутренними связями между ее элементами. Эти композиционные узлы держат ее изнутри в пространственно-временных границах.

1. Принцип целесообразности. (Закон единства содержания и формы). Высшая степень целесообразности как результат поиска изобразительных и композиционных средств, наиболее полно раскрывающих замысел.

Принцип целесообразности заключается в том, что авторский замысел и весь строй произведения предполагают наличие цели, идеи, смысла, художественной задачи, что и определяет, в конечном счете, развитие содержания произведения и направляет творческий процесс переработки материала в художественную форму.

2. Принцип единства. (Закон цельности). Требует подчинения всех элементов и частей произведения единому замыслу, тем самым, определяя сделанность, законченность художественного произведения. Умение художника подчинить второстепенное главному делает художественный образ более ясным, не упрощая его при этом.

Основной принцип, обеспечивающий целостность произведения. Благодаря этому принципу сложное выглядит не как конгломерат из разрозненных частей, а как связное целое. Композиция выступает как система внутренних связей, объединяющая все компоненты формы и содержания в единое целое. (Все остальные композиционные принципы рассматривают различные проявления связи, различные аспекты зависимости между частями и элементами произведения).

К приемам композиции можно отнести передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра. Средства композиции включают формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и асимметрию, открытость и замкнутость, целостность.

Любая композиция состоит из взаимосвязанных и согласующихся друг с другом частей. Цельность композиции зависит от связей всех элементов между собой, подчинения второстепенного главному. Недопустимо, чтобы в глаза сразу бросалось что-то второстепенное в композиции, в то время как самое важное оставалось незамеченным. При этом каждая деталь должна восприниматься как необходимая.

Композиция считается верной, если ни одна ее часть не может быть изъята или заменена без ущерба для целого; сами части не могут меняться местами без ущерба для целого; ни один новый элемент не может быть присоединен к композиции без ущерба для целого.

Стилизация является обязательным, а часто и главным средством художественной выразительности в дизайне.

Основными принципами стилизации в создании художественного произведения являются: принцип упрощения, принцип нарастающей декоративности, принцип объединения упрощения и декоративности.

ПРИНЦИП УПРОЩЕНИЯ. Упрощение создает условия для художественного выявления наиболее значимых качеств изображаемого объекта путем отбрасывания несущественных деталей и усиления форм, служащих целям создания художественного образа изображаемого объекта. Стилизация имеет направленный характер художественной деятельности по изменению видимого мира для достижения цели художественного произведения и построения художественного образа.

ПРИНЦМП НАРАСТАЮЩЕЙ ДЕКОРАТИВНОСТИ. Усложнение изображения также является видом стилизации и усиливает декоративность графического листа с помощью деталей проработки элементов, применения разнообразной графической фактуры, усиления цветовой интенсивности.

Выразительность скульптуры достигается с помощью особой архитектоники форм, построения основных планов, объемов масс, ритмических отношений, составляющих единое целое. Содержание художественного образа в скульптуре воплощается в материальных объемах и формах, которые занимают трехмерное пространство.

Основными эстетическими средствами скульптуры выступают объем, силуэт, пропорции, светотень, т.е. построение объемной формы, пластическая моделировка, разработка силуэта, фактура, материал, иногда цвет.

Главное средство выражения в скульптуре - ее объем. Она смотрится со всех сторон: возможен круговой осмотр или восприятие с нескольких точек зрения. Главный предмет изображения в скульптуре - человек. Но скульптура не обращена к обыденной, случайной, будничной жизни. Она увековечивает и запечатлевает все самое прекрасное, возвышенное, героическое в человеке. Скульптура может правдиво показать фигуру, лицо, сложные переживания, настроения, характер, порывы, мечты и надежды человека. Часто она тяготеет к образу-символу с открытым историческим или философским содержанием. Таковы скульптуры Микеланджело, Коненкова, Мухиной и др.

Термин «романский» возник в XIX веке, как обозначение европейского стиля IХ-ХII веков. Романский стиль сложился в странах Центральной и Западной Европы и распространился повсеместно. «Классичнее» всего этот стиль получит распространение в искусстве Германии и Франции. Ведущая роль в искусстве этого периода принадлежала архитектуре. Эта средневековая архитектура создавалась для нужд церкви и рыцарства, и ведущими типами сооружений становятся церкви, монастыри, замки. Монастыри были сильнейшими феодалами. Дух воинственности и постоянной потребности самозащиты пронизывает романское искусство. Замок-крепость или храм-крепость. «Замок – крепость рыцаря, церковь – крепость бога; Бог мыслился как высший феодал, справедливый, но беспощадный, несущий не мир, но меч. Возвышающееся на холме каменное здание со сторожевыми башнями, настороженное и угрожающее с большеголовыми, большерукими изваяниями, как бы приросшие к телу храма и молчаливо стерегущие его от врагов – вот характерное создание романского искусства.

В нем чувствуется большая внутренняя сила, его художественная концепция проста и строга». Особый импульс развитие романского искусства получило в период правления франкской династии Меровингов (486–751).

Известный историк, А. Тойнби отмечал, что «единственно возможным целостным государством была римская империя, франкский режим Меровингов был обращен лицом к римскому прошлому».

Итальянский Ренессанс вдохновлялся искусством античности, особенно в области архитектуры и скульптуры. Период Возрождения был ознаменован сильной верой в гуманизм и благородство человека. Начало эпохи обычно связывают с именами архитектора Филиппо Брунллески (1377–1446), скульптора Донателло (1386–1466), художника Томмзо Мазаччо (1401–1428), теоретика Леона Баттиста Альберти (1404–1472) и другими мастерами. Новое искусство зарождается в Италии, распространяется в Риме (из предыдущего текста непонятно, откуда идет распространение), где получает папскую поддержку, и в Венеции.

Искусство Северной Европы (в частности, Фландрии, Голландии, Германии и Англии) также испытало подъем, особенно в области масляной живописи, гравюры, резьбы по дереву. Так называемое Северное Возрождение развивалось несколько независимо от Реформации и, следовательно, избегало религиозного покровительства протестантской церкви, не одобрявшей религиозную живопись и скульптуру.

Скульптура раннего ренессанса (1400–1490)

Многие из художников эпохи Возрождения вдохновлялись готическими произведениями и традициями. Наряду с безусловно общими приемами и подходами к работе существует серьезное отличие между готическими скульпторами и мастерами Ренессанса: имена последних теперь известны всему миру, тогда как готические мастера оставались анонимными. 

Роспись ткани – древнее искусство, которое пришло в Европу из Индонезии, где роспись различных предметов и текстиля была неким ритуалом поклонения богам. Классическую индонезийскую палитру можно разделить на цвета с оттенком слоновой кости, все многообразие оттенков коричневого, и конечно же самый яркий цвет – синий. Рецепты по изготовлению красок хранились мастерами в строжайшем секрете. В древности считалось, что одежда, украшенная росписью, защищает человека от всяческих напастей.

Настоящий расцвет этого искусства был в Китае. Ведь именно китайцы подарили миру пожалуй самый идеальный материал для росписи – шелк. И с того времени батик на шелке приобрел популярность во всем мире, он очень популярен и по сей день.

В Японию технология батика, вероятней всего, пришла из Китая или Индии. В переводе на японский, батик звучит как «рокэти». Японцы соединили полученные знания, с собственным национальным наследием, получив тем самым красивейшие изделия с традиционными сюжетами и рисунками. Разрисованные ткани в основном использовались для изготовления ширм и одежды. 

Изготовление набойки — один из древних видов народного декоративно-прикладного искусства, встречающийся у многих народов.

В России технология изготовления набивных тканей известна, по меньшей мере с X века. Массовое производство набойки и расцвет промыслов, занимающихся изготовлением набивных тканей, пришёлся на XVIII — первую половину XIX века.

В XVIII веке в русской набойке были распространены крупные сложные узоры, требовавшие известного мастерства для получения ровного рисунка.

В XIX веке стали распространены более мелкие рисунки. Небольшие набивные доски стали предметом повседневного обихода, они продавались на ярмарках повсеместно. Особую популярность набойка получила в северных регионах, где производство угасло уже в 1920—1930-х годах. Сохранились даже набивные доски с «модными» рисунками паровозов и тракторов.

Для набойки изготавливают деревянные формы-штампы с узором. Изготовление таких форм — особое искусство резчика.